Artistas del Renacimiento
Miguel Ángel
Michelangelo Buonarroti nació en Caprese el 6 de marzo de 1475 y falleció en Roma el 18 de febrero de 1564, conocido en español como Miguel Ángel, fue una arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. la escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
La creación de Adán
Autor: Miguel Ángel
Fecha: 1510
Ubicación: Capilla Sixtina
Estilo: Renacimiento Italiano
Material: Fresco
El centro de la pintura esta constituido por las manos de Dios y de Adán, Tiene un eje diagonal que pasa por el centro de la pintura dividiéndola en dos partes, la una Adán y a otra a Dios y los ángeles.
Su esquema compositivo es una diagonal con formas cerradas. Los colores utilizados en la obra son cálidos con tonalidades bajas.
Análisis simbólico:
En un lado el hombre en este caso representado por Adán es creado a imagen y semejanza de Dios. En otro lado de la pintura Dios sujetado por ángeles. Al unir las dos partes podemos ver que el cuadro es cuando Dios da la vida a Adán.
Análisis personal:
En la pintura se represento las palabras del Antiguo Testamento que dice que Dios creo al hombre a imagen y semejanza de el.
David, de Miguel Ángel
Autor: Miguel Ángel
Fecha: 1501
Ubicación: Galería de la Academia, Florencia - Italia
Material: Mármol blanco
Dimensiones: 5.17 m. de altura
Peso: 5.572 kg2
Es una figura de cuerpo completo, se encuentra totalmente desnudo.
Esta hecha de mármol, su estructura es lisa, da la impresión de movimiento debido a que tiene su cabeza girada a la derecha y su torso esta de frente.
Análisis simbólico:
Fue creado como símbolo de libertad de la república de Florencia
La escultura representa al Rey David cuando estaba preparado para lanzar la piedra a Goliat tomado igualmente de la Biblia
Análisis personal:
Esta escultura representa la figura humana perfecta por eso se encuentra desnuda para que todos puedan admirar como es el hombre perfecto.
Leonardo da Vinci fue un pintor florentino. Notable pintor del Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista) nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a loa 67 años. Su asociación histórica mas famosa es la pintura, siendo dos de sus obras mas celebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, únicamente se conocen unas veinte de sus obras, debido principalmente a sus constantes experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica.
Análisis simbólico:
La última cena
Autor: Leonardo da Vinci
Fecha: 1495 - 1497
Ubicación: Convento Santa María delle Grazie
Estilo: Renacimiento
Material: Temple y óleo
El centro de la pintura esta constituido por Cristo sentado en el medio de sus discípulos. El eje natural del cuadro es Jesucristo debido a que están 6 apóstoles a cada lado, en la parte posterior.
Perspectiva lineal, concretamente central.
Cristo en el centro, hacia el convergen todas las líneas de fuga, destacando aun mas al perfilarse contra el ventanal del centro.
Los tapices laterales, las tres ventanas del fondo y los casetones del techo están construidos en perspectiva
Análisis simbólico:
La imagen nos muestra nos muestra preocupación de parte de los apóstoles, desesperación y a la vez tranquilidad de Jesús
Análisis personal:
En esta pintura leonardo representa los movimientos del alma de los discípulos cuando en la ultima cena Jesús dice a sus apóstoles que uno de ellos lo va a traicionar. Representa las diferentes reacciones individuales.
La Gioconda
Autor: Leonardo da Vinci
Fecha: 1503 - 1519
Ubicación: Museo del Louvre
Estilo: Renacimiento
Material: Óleo sobre tabla
El centro de la pintura esta constituido por el rostro de la mujer. el eje mas evidente de la pintura es el vertical que atraviesa a la mujer, y que la divide en dos mitades perfectas. También encontramos un eje horizontal a la altura de sus hombros que divide en la parte oscura y clara del cuadro.
Técnica de sfumato muy característica de leonardo
Perspectiva atmosférica de fondo
Los colores tienden al azulado y la transparencia aumentando la sensación de profundidad
Análisis Personal
La Gioconda representa a una mujer quieta, pero no inerte, es decir que la percibimos viva.
Tiene la apariencia de una mujer perfecta
La pintura muestra serenidad
Rafael Sanzio
Rafael Sanzio nació en Urbino el 6 de abril de 1483 y falleció en Roma el 7 de abril de 1520, fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.
A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbre. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico.
Las Gracias
Autor: Rafael Sanzio
Fecha: 1504 - 1505
Ubicación: Museo Condé
Estilo: Renacimiento
Material: Óleo sobre tabla
El centro de la pintura esta constituida por la figura femenina del centro y su eje es la misma figura porque divide simétricamente al cuadro, también encontramos un eje horizontal en el cual los colores oscuros están en la parte de abajo y los colores claros en la parte de arriba.
Análisis simbólico:La obra tiene sentimiento de castidad y de gracia al mismo tiempo. Las gracias aparecen desnudas y agrupadas como en en la antigüedad. La de en medio, vista de espaldas, vuelve la cabeza enseñando un perfil ideal. Las otras dos, de frente, inclinando la cabeza en sentido opuesto y sus brazos se enlazan con los de su hermana apoyándose las tres mutuamente.
Análisis personal:
La obra tiene un sentido de gracia al mismo tiempo que tiene un sentido de castidad, son tres vistas que agrupan el conjunto de la anatomía de una mujer.
La escuela de Atenas
Autor: Rafael Sanzio
Fecha: 1510 - 1511
Ubicación: Museos Vaticanos
Estilo: Renacimiento
Material: Pintura al fresco
El centro de la pintura esta constituido por Platón y Aristóteles, donde también se encuentra el punto de fuga. El eje mas notorio de la pintura es el horizontal debido a que todas las personas están desde el eje para abajo.
Ordena las figuras de izquierda a derecha
La perspectiva queda rota por los muros laterales sobresalientes
Platón y Aristóteles se encuentran en el centro de la composición, alrededor de la del punto de fuga
Análisis simbólico:
La escuela de Atenas muestra a los filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica. Los filósofos se encuentran en una arquitectura clásica, abovedada como unas termas. En unos nichos se ven figuras gigantescas de los dioses Apolo y Atenea.
Platón está sosteniendo el Timeo, Aristoteles sostiene una copia de su ética a Nicómaco. Ambos debaten sobre la búsqueda de la verdad y hacen gestos que se corresponden a sus intereses en la filosofía: Platón está señalando el cielo, simbolizado el idealismo dualista racionalista que es su pensamiento mientras que Aristóteles la tierra, haciendo referencia a su realismo sustancial racional.
Análisis personal: Está pintura es una escena en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos.
Donato di Niccolò di Betto Bardi
Donato di Niccolò di Betto Bardi (Donatello) nació en Florencia, Italia, en 1368 y falleció el 13 de diciembre de 1466. Fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Donatello se destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato (es decir relieve aplanado o aplastado).
El renacimiento lleva implícito en su origen el reconocimiento de la importancia del hombre en el mundo, Donatello será el escultor que lo constante, siendo en su producción la forma de concebir la figura humana (estudiada, precisa, diversa y en ocasiones grandilocuente).
David de bronce
Autor: Donatello
Fecha: 1440
Ubicación: Museo Nazionale del Bargello, Florencia - Italia
Material: Bronce
Dimensiones: 158 cm.
Es una escultura fundida en Bronce.
La figura de David se encuentra de pie sobre la cabeza de Goliat, esta desnuda pero en su cabeza encontramos un sombrero.
Esta una pintura rígida, estática no da la sensación de movimiento
Análisis simbólico:
Esta figura simboliza un hombre que renace, un nuevo renacer, donde el hombre inteligente, humanista y con la capacidad de vencer con sabiduría.
Análisis personal:
En esta escultura Donatello representa al hombre idealizado, un hombre que vence a Goliat pero de una forma inteligente, humanista,
María Magdalena Penitente
Autor: Donatello
Fecha: 1453
Ubicación: Museo del l'Opera del Duomo
Es una escultura de madera que representa a María Magdalena de pie.
Da la sensación de movimiento debido a que tiene su pierna derecha de frente
Análisis simbólico:
Se representa a María Magdalena arrepentida de todos sus pecados como dice en la biblia. Donatello se inspira en "La leyenda dorada"de Jacopo de la Vorágine donde se relata el retiro de María Magdalena, para conseguir la redención de sus pecados ejerció de ermitaña.
Análisis Personal:
Es una escultura que presenta el pesar de María Magdalena, sus detalles y su calidad en acabados nos ayudan más en la comprensión de culpa en la escultura.
Sandro Botticelli
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi apodado Sandro Botticelli, nació en Florencia el 1 de Marzo de 1445 y falleció en Florencia el 17 de Mayo de 1510, fue un pintos cuatrocentista italiano. Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracias y en un cierto sentimentalismo.
Nacimiento de Venus
Autor: Sandro Botticellí
Fecha: 1484
Ubicación: Convento Santa María delle Grazie
Estilo: Renacimiento
Material: Temple sobre lienzo
El centro de la pintura esta constituida por la figura humana de Venus, como también el eje de la pintura debido a que separa la divinidad de los dioses de las cosas de la tierra.
Las formas son cerradas por lo cual las figuras son bien definidas.
Las figuras están en primer plano mientras que el paisaje esta en un segundo y tercer plano.
Análisis simbólico:
La pintura representa el nacimiento de la diosa del amor Venus emergiendo de la espuma del mar como una mujer plenamente madura.
Según cuenta la leyenda, Venus diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Saturno y luego arrojados al mar. En el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que se muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican.
La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.
Análisis personal:
Al nacer Venus de una concha une los dos mundo tanto el mundo de los dioses como el mundo de los hombres. El desnudo femenino es símbolo de inmaterialidad. Esta venus representa con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo.
Mapa del Infierno
Autor: Sandro Botticellí
Fecha: 1480 - 1495
El centro de la pintura esta constituida por la copa desde donde nace la pintura. El eje vertical separa simétricamente la pintura.
Describe la visión del propio viaje en el ultratumba. Aquí el infierno está dividido en círculos que son significativamente nueve, basado en el pensamiento aristotélico-tomistico.
Antes de entrar a los círculos encontramos la selva, el coliseo y la colina donde Dante se encuentra perdido "en el medio del camino de nuestra vida", detrás de la colina se encuentra la ciudad de Jerusalén, debajo de la cual se imagina cavada la inmensa vorágine del infierno.
Esta pintura simboliza la maldad del mundo, y lo que en el pasado creían que tenían que sufrir para pagar sus culpas
Análisis personal:
Esta pintura tiene todos los pecados y todas las obras impuras que nos hacen alejarnos de Dios, también nos presenta todo lo que sucede en el infierno como su nombre mismo lo dice.
El Bosco
Jeroen van Aeken o Van Aken conocido como El Bosco, nació en Bolduque en 1450 y falleció el 9 de agosto de 1516, fue un pintor neerlandés. Sus cuadros están protagonizados por la humanidad que incurre en el pecado y es condenada al infierno. La única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos que, dedicados a la meditación, deben ser modelo de imitación, aunque estén rodeados por el mal. Ejemplo de ello son las tablas con la Pasión de Cristo a través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, para rescatar del pecado universal al género humano.
Su estilo cambia en los últimos años de su actividad, pintando cuadros con un menor número de figuras, pero de mayor tamaño, que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador.
Sus figuraciones y técnicas son notablemente diferentes de las empleadas por otros. Técnicamente pintaba con la primera pincelada sobre el lienzo y aplicando nuevas capas de pintura sobre otras todavía húmedas. Sin embargo, el análisis de sis obras demuestra que hacía un concienzudo y detallado proyecto antes de la ejecución; innovó también en la gama de colores, con tonalidades más contrastadas y atrevidas.
Adoración de los Magos
Autor: El Bosco
Fecha: 1485 - 1500
Ubicación: Museo del Prado, Madrid - España
Estilo: Gótico
Material: Óleo sobre tabla
El centro de la pintura esta constituida por el pesebre y el eje es horizontal porque divide al pesebre que es la figura principal de la ciudad.
Predomina los tonos dorados y azules en la representación.
Análisis simbólico:
Existe un paisaje luminoso que sirve de fondo común a los tres compartimientos del tríptico. representa estructuras cilíndricas y cúpulas de cebolla que pueden recordar a la cúpula de la Roca de Jerusalén.
A la izquierda esta el donante. En segundo plano aparece un hombre sentado sobre una cesta y protegido bajo un precario tejadillo, seca sus ropas al fuego, se trata de José intentando secar los pañales del niño.
En la tabla central está la adoración de los Reyes Magos. Fuera de una cabaña precaria se sienta la Virgen, Melchor está arrodillado ante ellos, y ha puesto su regalo sobre la tierra. Gaspar sobre la esclavina que viste aparece la visita de la reina de Saba a Salomón. Al final , Baltasar, lleva en la mano un cáliz esférico.
Análisis personal:
Asocia lo divino a lo fantástico de una manera más serena que en obras anteriores. Es una composición caracterizada por su dulzura y sencillez.
Las Tentaciones de san Antonio
Autor: El Bosco
Fecha: 1500 - 1525
Ubicación: Museo del Prado. Madrid - España
Estilo: Gótico
Material: Óleo sobre tabla
El centro de la pintura esta constituida por San Antonio y el eje de la pintura es horizontal donde se muestra un tono amarillento en el pasto.
Análisis simbólico:
En esta tabla el santo no queda distraído de sus meditaciones por los demonios que lo rodean, con las tentaciones simbolizadas de muchas maneras: el cuchillo mellado, escalas, el jarro del diablo, piezas de armadura, pequeños demonios-grillos. A su lado, aparece uno de sus atributos: un cerdito.
El santo está acurrucado, debajo de un árbol hueco al que le ha puesto un precario techo de paja. Delante, un arroyo del que surgen también figuras demoníacas. Se enmarca en un paisaje de tonos amarillentos y verdosos, con suaves azules hacia el horizonte.
Análisis personal:
Es una pintura que nos indica como nos tenemos que comportar ante todas las tentaciones, a pesar de todas las tentaciones San Antonio sigue estando tranquilo y quieto, sentado en la misma posición.
Masaccio
Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio, nació en San Giovanni el 21 de diciembre de 1401 y falleció en Roma en otoño de 1428, fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica (desarrolladas por Brunelleschi)
San Pedro cura a los enfermos con su sombra
Autor: Masaccio
Fecha: 1425 - 1428
Ubicación: Santa María del Carmine, Florencia - Italia
Estilo: Renacimiento
Material: Fresco
El centro de la pintura esta constituido por San Pedro Hay un eje vertical donde se puede visualizar colores más tenues a lado derecho y colores mas fuertes al lado izquierdo.
Análisis simbólico:
Presenta el momento -recogido en los Hechos de los Apóstoles- en el que san Pedro sana a los tullidos con su sombra. Sin embargo, el paramento almohadillado del palacio del primer plano recuerda al Palazzo Pitti realizado por Brunelleschi. La perspectiva resulta la gran protagonista de la composición, interesado Masaccio en trasmitir la sensación de profundidad. Las figuras gozan de una monumentalidad escultórica y de una expresividad que serán admiradas por artistas futuros como Piero della Francesca. Se han identificado algunos personajes como el hombre del turbante rojo -Masolino-, el anciano de barba blanca -Donatello- o el san Juan, Giovanni, el hermano del pintor, apodado "Scheggia".
Análisis personal:
En toda la pintura se representa el poder que tiene Dios, Jesús y sus discípulos debido a que en la parte que ya ha pasado San Pedro la pintura se encuentra mas limpia que en la parte que no ha pasado San Pedro, también podemos ver que los enfermos solo están en la parte izquierda de la pintura.
La expulsión de Adán y Eva del paraíso
Autor: Masaccio
Fecha: 1425 - 1428
Ubicación: Santa María del Carmine, Florencia - Italia
Estilo: Renacimiento
Material: Fresco
El centro de la pintura esta constituido por los rostros de sufrimiento de Adán y Eva. El eje de la pintura es la figura de ellos mismo.
La escena está cargada de dramatismo, destacando los rostros de ambos personajes y la actitud de Adán al llevarse las manos a la cara, así como la dureza y sequedad del paisaje por donde se encaminan las figuras. Sus cuerpos desnudos están inspirados en las estatuas clásicas y en las obras de Donatello, interesándose por los efectos anatómicos y volumétricos a través de la iluminación empleada. El fondo azulado se aleja de la capa de pan de oro que servía de cierre en los tiempos góticos
Análisis simbólico:
Aunque la escena está basada en el relato bíblico del Génesis, el artista se ha permitido algunas licencias más personales que dotan a la obra de dramatismo y vigorosidad, así Masaccio decide representar a Adán y Eva completamente desnudos y expulsados por un solo ángel.
La figura de Eva aparece tapándose el pecho y el sexo mientras en su rostro se aprecia un grito descarnado de dolor y agonía. Adán por su parte se lleva las manos al rostro mientras muestra su desnudez y con una profunda inspiración mete su vientre en una postura igual de agonizante. Sobre ellos un ángel amenazador vestido de rojo y con la espada en la mano custodia la entrada al paraíso.
Análisis personal:
La pintura expresa el dolor y la agonía que sintieron Adán y Eva al ser expulsados del paraíso. Expresa igualmente el poder que tiene Dios sobre nuestras vidas esto quiere decir que cada que nosotros hacemos algo bueno o malo Dios tiene el control para la recompensa que recibimos por este.
El Greco
Doménikos Theotokópoulos conocido como el Greco ("el griego"), nació en Candía en 1541 y falleció en Toledo en 1614, fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.
Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos culturales muy distintos: su primera formación aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores, él siempre se consideró parte de la escuela veneciana; por último,su estancia en Roma le en su estancia en Roma le permitió conocer las obra de Miguel Ángel y el manifestó.
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Autor: El Greco
Fecha: 1541 - 1614
Ubicación: Museo del Prado, Madrid - España
Estilo: Renacimiento, Manierismo
Material: Óleo sobre lienzo
El centro de la pintura esta constituido por el ángel anunciando a María, y su eje es horizontal para tener dos partes en la pintura: la primera estando María y el ángel y la segunda estando ángeles más pequeños y la iluminación divina
Análisis simbólico:
El arcángel san Gabriel posa los pies en un suelo embaldosado, herencia del Renacimiento italiano. La Virgen María aparece sin sus elementos simbólicos. En la parte superior del cuadro se encuentra un gran foco de luz y al Espíritu Santo bajando en forma de paloma.Análisis personal:
En esta pintura nos narra la anunciación del ángel hacia María para decirle que va hacer madre del mesías, hijo de Dios. También Se nota el miedo de María debido a las leyes de ese entonces.
Cristo en la Cruz con las dos Marías y San Juan
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Autor: El Greco
Fecha: 1588
Ubicación: Galería Nacional, Atenas - Grecia
Estilo: Renacimiento
Material: Óleo sobre lienzo
El centro de la pintura esta constituido por la parte superior de la cruz donde se encuentra Cristo crucificado. Existe un eje horizontal, en la parte superior Jesucristo y en la inferior la Virgen María, María Magdalena y San Juan.
Análisis simbólico:
Esta obra se situaba en el espacio central del retablo. La escena está estructurada a base de dos triángulos en los que se insertan las figuras. Jesús en la cruz es el eje de simetría; a su derecha se encuentran la Virgen María y a la izquierda san Juan Evangelista. Tres ángeles completan la escena recogiendo la sangre que emana de las heridas del Crucificado.Análisis personal:
La pintura muestra a Cristo muerto en la cruz y a sus pies a la Virgen María, María Magdalena y a San Juan sufriendo por la muerte de Jesús. Su pintura se encuentra con colores claros solo el vestuario de María se encuentra con un color oscuro.
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